Уистлер Джеймс Эббот Мак-Нил (Макнил) (James Abbot McNeill Whistler), англо-американский живописец и график, а также мастер офорта и литографии.
Одной из самых значительных фигур в американском искусстве и предвестником пост-импрессионистского движения признается Джеймс Эббот Макнил Уистлер за его новаторский стиль в живописи и эксцентричность. Он был смелым и уверенным в себе, быстро развивал репутацию своих словесных и юридических мер воздействия в отношении искусствоведов, дилеров и художников, которые оскорбляли его работу. Его картины, офорты, пастели воплощают современную склонность к созданию “искусства ради искусства”. Они также представляют собой иллюстрацию одного из самых ранних сдвигов от традиционного изобразительного искусства к абстракции, которая лежит в основе большей части современного искусства.
Некоторые из картин художника имеют особую историю и значение для его творчества. Как в жизни каждого художника, многие картины были далеко не сразу признаны сообществом критиков. Но это не помешало ему воплотить свои творческие идеи в значимых произведения искусства.
Портрет матери художника (1871 г.)
Анна Макнейл Уистлер одета в длинное черное платье и простой белый кружевной чепчик. Она сидит в профиль, постоянно смотрит вперед, и держит белый носовой платок на коленях. На стене позади нее просматривается репродукция Уистлера: «Вид на Темзу». Японские цветочные узоры рисунка на занавеске, висящей слева, демонстрируют хорошо известный интерес художника к японской эстетике. Стилизованная бабочка, подпись Уистлера, видна в правом верхнем углу этого занавеса. Расположение форм кажется простым, хотя на самом деле есть тщательная балансировка фигур в игре рисунка.
Религиозно набожным женщина, Анна Макнейл Уистлер жила с сыном в своем доме в Лондоне в течение семи лет. Когда он попросил ее позировать ему то, она отменила запланированное заседание. В 67 лет, матери Уистлера было трудно стоять в течение длительных периодов времени, поэтому, для ее комфорта, художник рисовал мать в сидячем положении.
В 1891 году картина стала первой американской работой, которая была куплена французским правительством. Это укрепило репутацию Уистлера. Портрет матери художника считается знаковой и одной из немногих картин, в том числе Эдварда Мунка «Крик» и «Грант Вуд» американской готики, которые могут быть оценены элитой, в то же время резонируют с массами. Картина, в подавляющем большинстве случаев, интерпретируется как символ материнства, траур (из – за используемых цветов) или американского пуританского стоицизма (из – за одежды). Это конкретное изображение было источником вдохновения для многих других картин, в том числе к картине Портрет Бесси (1892) и портрет Генри Таннера своей собственной матери. Картина Уистлера с тех пор получила популярность в поп-культуре, будучи упомянутой в многочисленных фильмах, мультфильмах и рекламе.
«Симфония в белом № 1: Белая девочка» (1862 г.)
«Белая Девочка» – так первоначально была названа эта картина, она демонстрирует молодую женщину, любовницу и модель Уистлера – Джоанну Хиффернан. У нее длинные, струящиеся рыжие волосы и простое белое платье из батиста. Девушка стоит на цветной медвежьей шкуре и держит в руках цветок. Глубокий взгляд, придает молодой женщине загадочность и качества кукольной внешности. Действительно, Уистлер, рассматривает ее как игрушку или пешку, своего рода. Художник не ставил себе задачу написать ее с портретной точностью, он использовал холст и краски как средство изучения тональных вариаций. Эта картина Уистлера позже переименована в «Симфонию в белом № 1: Белая девочка», чтобы привлечь внимание к белым тонам работы, а сравнение между ними и музыкальными нотами, разъясняет эту цель.
Картина имеет честь быть первой работой, которая помогла по – настоящему добиться известности художнику. Отвергнутый лондонской Королевской академией и салоном Французской академии, картина появилась в «Салоне отверженных» в 1863 году, где она была высоко оценена Эдуардом Мане, Курбе и Шарлем Бодлером.
Симфония в белом означает смену стилей живописи Уистлера. От реализма Курбэ он перешел к разработке своей собственной подписи и абстрактного стиля, в котором он сосредоточился на использовании тонких цветовых вариаций, текстуры и тщательной балансировки форм. Он использовал все средства живописи, чтобы передать настроение и глубину чувств.